Una vez más, Maison&Objet se prepara para proporcionar un trampolín al talento emergente a través de sus ya establecidos Rising Talent Awards dedicados a un país específico, y este año toca España.
España ha sido seleccionada como protagonista de los Rising Talent Awards en lo que se prevé que sea un año particularmente importante, 2023. A medida que salimos de la agitación de los últimos años, con motivo del 50 aniversario de la muerte de Picasso Francia y España unen fuerzas para celebrar a uno de los mejores artistas de todos los tiempos, que nació en España pero irrumpió en la escena artística con el telón de fondo vanguardista del París del siglo XX, entonces en medio de una revolución artística. Habiendo comenzado como un simple artista, eventualmente se convirtió en un artesano exitoso, trabajando en el diseño de escenarios y vestuario.
Maison&Objet, que se prepara para poner el foco sobre los talentos que abarcan todas las disciplinas del diseño, dan la espalda a las clasificaciones y tendencias específicas, fusionan artesanía con tecnología punta, valoran intrínsecamente la sostenibilidad y sitúan al ser humano y su bienestar en el centro mismo de cada objetivo, estrategia y proceso.
Profesionales que fusionan artesanía con tecnología punta, valoran intrínsecamente la sostenibilidad y sitúan al ser humano y su bienestar en el centro mismo de cada objetivo, estrategia y proceso.
En un mundo globalmente conectado donde las líneas entre los ámbitos digital y físico son cada vez más borrosas, el diseño puede ayudarnos a comprender las transformaciones y transiciones del siglo XXI. El diseño moderno juega un papel importante en la mejora de la vida de las personas y en el fomento de un enfoque más consciente y comprometido con el cambio ambiental y la sostenibilidad global.
Así lo demuestran todos y cada uno de los talentos que han sido cuidadosamente seleccionados para representar el dinamismo del diseño español.
Aunque el diseño español en su conjunto tiene una imagen algo fragmentada, los diseñadores, marcas y proyectos del país comparten una serie de características: Creatividad y pasión + Compromiso y sostenibilidad + Calidad e innovación.
Un jurado con diseñadores de la talla de Jaime Hayón, Belén Moneo o Inma Bermúdez ha elegido a aquellos profesionales jóvenes cuyo trabajo refleja una visión actual de la sociedad del siglo XXI y los retos que el diseño debe se capaz de afrontar para mejorar la vida de las personas.
Marta Ayala Herrera, Córdoba
El enfoque creativo de Marta Ayala Herrera se basa en experimentar con procesos y jugar con una variedad de materiales, especialmente aquellos que cuestan muy poco. Sus creaciones son muy coherentes y busca sin descanso nuevas funcionalidades a través de diseños disociables que hacen alarde de acabados artesanales y una mezcla sensible de materiales. Ha expuesto en CasaBanchel en Madrid, Milano Design Week, Ventura Lambrate en Milán y Lille World Design Capital.
Su trabajo se centra en las personas y su entorno, y su compromiso con el medio ambiente, la igualdad de género y el cambio social está a la vista de todos.
La fragilidad de sus diseños es realmente llamativa, y sus piezas suelen estar impregnadas de un mensaje existencial, como es el caso de Nebula Mirrors, 2 to 1, o sus muebles para Mustang. Mientras tanto, los diseños de su tienda para Kling son abiertamente divertidos y ofrecen su propia reinterpretación única del estilo de Memphis.
Marta Ayala Herrera estudió inicialmente ingeniería de diseño, especializándose en diseño industrial en la Universidad Nebrija de Madrid. Sus colaboraciones profesionales comenzaron con el estudio Ciszak Dalmas, Doiy Barcelona, el Festival de Diseño de Madrid y La Casa Encendida. Recibió el Premio Injuve en 2013. Su estudio se encuentra actualmente en Poblenou, Barcelona.
Max Milà Serra, Barcelona
La visión de Max Milà Serra gira en torno a la luz, que proyecta sobre multitud de materiales y superficies para captar sus infinitas modulaciones y matices. Destacan sus diseños con rocas y plantas sin pulir, y la forma en que se exhiben sus piezas crea un aura sofisticada pero ancestral.
Su trabajo tiene como objetivo utilizar la luz para explorar otras dimensiones humanas, despertando emociones y generando nuevas conexiones a través de una iluminación sostenible conectada con la naturaleza.
Tras estudiar diseño industrial en la escuela Elisava de Barcelona, Max Milà Serra se embarca en una colaboración con Antoni Arola Studio. Ha centrado su trabajo como diseñador en la iluminación experimental y creativa, y ha participado en numerosos eventos como LLum, Fad Fest, Madrid Design Festival y London Design Week.
www.maxmilaserra.com
Miguel Leiro, Santiago de Compostela
Miguel Leiro es un diseñador que se mueve con soltura entre la esfera industrial y la artesanal, y las piezas que produce combinan la funcionalidad con una postura creativa innovadora. La flexibilidad de los materiales, la forma en que se ensamblan y sus diversos usos posibles no están predeterminados, y requieren sistemáticamente la interacción y la intervención del usuario.
A lo largo de los años, ha adoptado un enfoque multidisciplinario para su trabajo, abarcando la difusión del diseño, la curación del diseño y el diseño de objetos y muebles.
Piezas como Abu Table, Hat Lamp, Reliquary, Brocca y AIM Cart dan testimonio de la diversidad de materiales y la multiplicidad de técnicas que dan forma a su visión como diseñador.
Miguel Leiro estudió diseño en el Pratt Institute de Nueva York. Ha colaborado con numerosos estudios de arquitectura, arte y diseño, entre ellos Moneo-Brock, Juan Uslé, Victoria Civera y Jaime Hayon. También ha exhibido su trabajo en muchas ocasiones, incluso en el Festival de Diseño de Madrid, Experimento Design, BID Bienal Iberoamericana de Diseño, COAM Colegio de Arquitectos de Madrid y Zona MACO Design México. Es el fundador, curador y director de la bienal de diseño MAYRIT, un festival de diseñadores alternativos centrado en el diseño experimental.
Tornasol Studio, Madrid y Trujillo
Inés Llasera y Guillermo Trapiello son Tornasol Studio. Su trabajo se encuentra a caballo entre la arquitectura, las artes visuales y el diseño de objetos. Utilizan una variedad de enfoques diferentes para estudiar los espacios y los elementos que los componen, centrándose en la luz, el movimiento, los colores, la escala y la materialidad.
La mayor parte de su trabajo está moldeado por el deseo de explorar nuevas formas de representar la realidad y la multifuncionalidad.
Con oficina en Madrid, también trabajan desde un antiguo secadero de Trujillo que ellos mismos han rehabilitado, convirtiéndolo en un espacio donde objetos y muebles se unen con fluidez y soltura, convirtiéndose en el escenario perfecto para su colección Mikado, el taburete Marea, la butaca Deriva y la lámpara Atardecer.
Se esfuerzan por reformar espacios con materiales de proximidad, buscando la sostenibilidad en cada proceso y en cada detalle de sus diseños, y mostrando el máximo respeto por el cambio social y el medio ambiente.
Inés Llasera y Guillermo Trapiello fundaron su estudio en 2017. Llasera es diseñadora industrial y Trapiello es arquitecto y cartógrafo. El estudio ha forjado fuertes vínculos con artesanos y diseñadores tanto en Madrid como en las zonas rurales.
Marta Armengol, Mallorca
Los diseños esencialmente conceptuales de Marta Armengol están claramente imbuidos del tipo de artesanía radical que casi podría considerarse poética. Su experimentación con materiales da como resultado la creación de formas y texturas inusuales, y disfruta explorando las posibilidades creativas de los objetos cotidianos y la luz. Sus diseños se han incorporado en las escenografías de Rosalía y ha expuesto en numerosos eventos y espacios, como la Barcelona Design Week, el Palais de Tokyo, el Dutch Design Festival y la Mayrit Bienal.
Uno de sus proyectos más recientes involucró el diseño del interior de la tienda Camper en Valencia, con el resultado final capturando verdaderamente la esencia de su visión y dirección. El diseño hace un uso inteligente tanto de la iluminación como de las texturas, lo que da como resultado formas envolventes que sumergen a los visitantes en un espacio lúdico y lleno de matices.
Su trabajo se basa en un enfoque que fomenta la sostenibilidad extrema al tiempo que conserva la belleza y la sensibilidad poética. Le apasiona superar los límites de los materiales, permitiéndoles ser reutilizados o reciclados. También disfruta utilizando el diseño como vector para compartir mensajes conceptuales, como con The Plastic Kingdom, una instalación que creó para LOOM Barcelona.
Marta Armengol se formó como arquitecta en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Su trabajo abarca una serie de disciplinas, incluyendo la arquitectura, el diseño, la escultura, la escenografía y la creación de instalaciones artísticas. Los espacios que diseña son una celebración de la artesanía, combinando el vidrio con muchos otros materiales, lo que da como resultado una estética similar al arte.
Álvaro Aramburu, Dalsland y Madrid
Álvaro Aramburu tiene su base en el bosque de Dalsland en Suecia y trabaja predominantemente con madera, un material que no solo se adapta a su atención al detalle sino que también alimenta su deseo de perfeccionar su creatividad. Su trabajo se basa en una fascinación por los objetos cotidianos, que examina desde nuevos y emocionantes ángulos. La función del diseño nunca es su objetivo principal, prefiriendo distanciarse del propósito doméstico de una pieza con el fin de generar emoción o reflexión.
Su trabajo explora el color, la textura y la luz, dando como resultado piezas que ostentan acabados únicos y sorprendentes. Sus diseños celebran constantemente los muchos matices de la madera, como se puede ver notablemente en sus colecciones de muebles Klana, Torii, Lidia y Selekto y en sus obras de arte Spoons, Anamnesis y Finding the Grain. Su compromiso con el medio ambiente habla por sí solo, guiado por el respeto por la naturaleza y el deseo de cuidar los bosques como recurso natural.
Alvaro Aramburu estudió diseño industrial en Madrid antes de estudiar Artes Aplicadas en HDK Steneby. Trabaja predominantemente con madera, creando muebles y objetos únicos hechos a mano. También forma parte de un colectivo que promueve el diseño sueco y Studio Växt, un espacio de trabajo conjunto que fomenta el desarrollo del diseño. Su obra ha sido expuesta en la galería de diseño Espacio Intermedio.
Josep Safont, Barcelona
El artista textil Josep Safont es un artesano talentoso que cuenta con un verdadero don para experimentar con los textiles. Sus piezas sumamente etéreas mezclan alfombras de color con motivos geométricos. Los telares en los que produce sus textiles ocupan un lugar privilegiado en su taller, rodeados de multitud de retazos de algodón y fieltro blasonados con tinta negra, bordados y un sinfín de yuxtaposiciones de hilo.
La Ceba som tots, Gràcies y el proyecto Suite Vulnus utilizan los textiles, la costura, el bordado y el tejido para expresar la sensibilidad, dando un giro contemporáneo a la noción de domesticidad a través del arte textil.
Josep Safont apuesta por el uso de materiales naturales y la elaboración de piezas únicas, con el tejido formando las palabras de su nuevo lenguaje comunicativo.
Formado en la escuela Massana de Artes y Diseño de Barcelona, Josep Safont decidió dedicar su carrera a la artesanía y al arte textil, y las fibras son ahora el hilo conductor natural que recorre sus evocadoras y líricas creaciones.
En 2020 abre su propio estudio en Barcelona, donde teje su visión e ideas, perfeccionando volúmenes, distribuciones y acabados experimentales rodeado de sus telares. También es embajador del proyecto Homo Faber de la Fundación Michelangelo.
